Im Jahr 1984 gegründet, hat sich das ImPulsTanz – Vienna International Dance Festival zum größten Festival für zeitgenössischen Tanz und Performance entwickelt. Alljährlich präsentiert es im Sommer ein einzigartig vielfältiges Programm mit Performances, Workshops, Research Projects und musikalischen Acts.
Ausgewählte Produktionen gehen am 6. Mai 2026 in den Vorverkauf, Tickets für alle weiteren Performances sind ab 9. Juni 2026 erhältlich.
Kontakt
ImPulsTanz - Vienna International Dance Festival Museumstraße 5/21 A-1070 Wien
De Keersmaeker, Mriziga, Beyer / Rosas, A7LA5, Incogniti (BE & BE/MA & FR):
Il Cimento dell’Armonia e dell’Inventione
Wenn sich die weltpolitische Lage eintrübt, gerät der Klimawandel vorerst aus dem Fokus. Aber das verändert keine Note in Antonio Vivaldis Violinkonzerten Die vier Jahreszeiten (1725), und schon gar nicht schwächt es die Dringlichkeit von Problemen wie Erderhitzung und Polareisschmelze. Das gibt der Rückkehr von Il Cimento dell’Armonia e dell’Inventione („Der Wettstreit zwischen Harmonie und Erfindung“) zu ImPulsTanz seine eminente Bedeutung. Diesmal gastiert diese Erfolgsproduktion der belgischen Compagnie Rosas im Burgtheater, und zwar mit Live-Musik des gefeierten siebenköpfigen Ensembles Gli Incogniti inklusive seiner Meisterviolinistin Amandine Beyer. Anne Teresa De Keersmaeker und Co-Choreograf Radouan Mriziga entwickeln so eine brillante und erstaunliche tänzerische Interpretation dieses Klassik-Schlagers vor aktuellem Hintergrund: Durch Vivaldis dekonstruierte Jahreszeiten reisen vier herausragende Tänzer, begleitet unter anderem von einem Gedicht der somalischen Künstlerin Asmaa Jama: „Es ist mitten im Winter und die Sonne geht nicht unter / sie versengt den Boden, / ich sitze auf der Erde / und warte auf die Nacht.“
Konzept, Choreografie, Bühnenbild und Licht: Anne Teresa De Keersmaeker und Radouan Mriziga
Mitarbeit und Performance: Boštjan Antončič, Nassim Baddag, Lav Crnčević und José Paulo dos Santos
Musik: Antonio Vivaldi – Le quattro stagioni und Amandine Beyer / Gli Incogniti
Gedichte: Asmaa Jama – We, the salvage und Antonio Vivaldi – Le quattro stagioni
Live-Musik: Gli Incogniti
Violine solo und musikalische Leitung: Amandine Beyer
Violinen: Alba Roca und Yoko Kawakubo
Viola: Marta Paramo
Violoncello: Patrick Sepec
Theorbe: Nacho Laguna
Violone: Baldomero Barciela Varela
Cembalo: Eloy Orzaiz
Musikalische Beratung: Amandine Beyer
Kostümdesign: Aouatif Boulaich
Kostümkoordination: Alexandra Verschueren
Assistenz Kostümkoordination: Chiara Mazzarolo und Els Van Buggenhout
Technische Leitung: Thomas Verachtert
Probenleitung: Eleni Ellada Damianou
Künstlerische Koordination und Planung: Anne Van Aerschot
Assistenz der künstlerischen Leitung: Martine Lange
Kaufmännische Leitung: Lies Martens
Distribution: Frans Brood Productions
Produktion: Rosas
Koproduktion: Berliner Festspiele (DE), Charleroi danse – centre chorégraphique de Wallonie-Bruxelles (BE), Concertgebouw Brugge (BE), De Munt/La Monnaie (BE), Festival d’Automne à Paris (FR), Festival de Marseille (FR), ImPulsTanz – Vienna International Dance Festival (AT), Sadler’s Wells (UK) und Théâtre de la Ville-Paris (FR)
Uraufführung: 11. Mai 2024, Rosas Performance Space, präsentiert von De Munt/La Monnaie, Kaaitheater und Kunstenfestivaldesarts (BE)
Mit Unterstützung von Dance Reflections by Van Cleef & Arpels.
Diese Produktion wird mit Unterstützung des Tax Shelter der belgischen Bundesregierung in Zusammenarbeit mit Casa Kafka Pictures (BE) realisiert.
Rosas wird von der Flämischen Gemeinschaft und der Flämischen Gemeinschaftskommission (VGC) (BE) unterstützt.
Gli Incogniti wird von DRAC Nouvelle-Aquitaine (FR), der Région Nouvelle-Aquitaine (FR) und dem Département de la Gironde (FR) unterstützt.
Bill T. Jones X Raja Feather Kelly (US):
The (a) Point Between 2 (or more) Confessions
Uraufführung
Bill T. Jones ist eine Tanzlegende. In den 1980ern wurde er mit der Bill T. Jones / Arnie Zane Dance Company und seinem aufsehenerregenden Engagement gegen Homophobie und die Diskriminierung von AIDS-Kranken berühmt. Seitdem choreografierte er u. a. für das weltbekannte Alvin Ailey American Dance Theater, entwickelte eine Reihe von Tanzperformances mit Nobelpreisträgerin Toni Morrison und arbeitete mit Künstler Keith Haring zusammen. Jetzt kommen wir in den Genuss einer Jones’schen Uraufführung: Er ist Choreograf dieses Solos für Raja Feather Kelly, selbst eine Größe der New Yorker Tanzszene, wiederholt für seine Arbeiten bei ImPulsTanz gefeiert und heuer zum zweiten Mal danceWEB-Mentor. Gemeinsam reflektieren die zwei in diesem „sweaty Portrait“ über Liebe, Erinnerung, Überleben und Zukunft – tänzerisch, aber auch mit Protestsongs aus den 1960ern sowie eigenen Texten.
Choreografie: Bill T. Jones
Performance: Raja Feather Kelly
Dauer: 50 Min
Preise: 10 / 18 / 26 / 34 / 42 Euro
Ermäßigt: 8 / 15 / 22 / 28 / 35 Euro
Termine
Mi 29.7.2026, 19:00 | Ticket
Fr 31.7.2026, 21:00 | Ticket
Christos Papadopoulos (GR):
My Fierce Ignorant Step
Österreichische Erstaufführung
Genug mit der düsteren Stimmung! Zusammen mit zehn Tänzer:innen probt Christos Papadopoulos einen Aufstand der Hoffnung gegen die deprimierende Realität unserer Tage. Dafür greift der gefeierte griechische Choreograf auf Erinnerungen an den „stürmischen, ungeschliffenen Schritt“ seiner Jugendjahre zurück, an „die Lebenslust, die Geschwindigkeit, den unerschütterlichen Tatendrang und das Gefühl, dass alles möglich war“. Beeinflusst von Mikis Theodorakis’ monumentalem Musikwerk Axion Esti („Gepriesen sei“) aus dem Jahr 1964 zur gleichnamigen Dichtung von Odysseas Elytis, spürt Papadopoulos mit seinem Ensemble die Wahrheit, Dynamik und Courage des Jungseins auf. Dabei verschmelzen die Tanzenden mit ihren präzise komponierten Bewegungen zu einem kollektiven Körper. Das ist als Inspiration für uns alle gedacht. Papadopoulos erinnert an einen Impuls des Aufbruchs. Dafür setzt er den Tanz im Rückgriff auf jenes „furchtlose Selbstvertrauen“ ein, das eine Welt hervorbringt, in der „wir so leben, wie wir es wollen und verdienen“.
Mit der Unterstützung von Dance Reflections von Van Cleef & Arpels.
Die Präsentation der Performance wurde durch das Onassis Stegi Touring Programme unterstützt.
Konzept und Choreografie: Christos Papadopoulos
Choreografische Assistenz: Sevasti Zafeira
Mitarbeit und Performance: Themis Andreoulaki, Maria Bregianni, Amalia Kosma, Georgios Kotsifakis, Sotiria Koutsopetrou, Tasos Nikas, Spyros Ntogas, Ioanna Paraskevopoulou, Danae Pazirgiannidi und Adonis Vais
Koordination und Line Production: Zoe Mouschi – Rena Andreadaki
Leitung Licht (Tour): Giorgos Ierapetritis
Leitung Bühne (Tour): Marilena Kalaitzantonaki und Aggeliki Vasilopoulou-Kampitsi
Ton: Kostis Pavlopoulos
Tourmanagement: Konstantina Papadopoulou
Ein Projekt von Christos Papadopoulos // The Lion and the Wolf.
Besonderer Dank an Euripides Laskaridis, Sotiris Melanos und Filanthi Bougatsou.
In Auftrag gegeben und produziert von Onassis Stegi (GR).
Mit Unterstützung von Dance Reflections by Van Cleef & Arpels.
Koproduktion: Theatre de la Ville – Paris (FR), Julidans (NL), Romaeuropa Festival (IT), Theatre d’Orleans / Scène Nationale (FR), LAC Lugano Arte e Cultura (CH), December Dance Concertgebouw Brugge (BE), One Dance Festival (BU), Festival de Marseille (FR) und I Teatri di Reggio Emilia (IT).
Unterstützt durch das Onassis Stegi Touring Program (GR).
Mit finanzieller Unterstützung des Griechischen Kulturministeriums (GR).
Zehn Figuren warten, aber ihnen scheint entfallen zu sein, worauf. Den Gestalten in diesem choreografischen Meisterinnenwerk von 1981 ist Samuel Beckett Pate gestanden. Mit MAY B hat Marin radikal mit Sehgewohnheiten im Tanz gebrochen. 45 Jahre nach der Uraufführung tritt uns das Stück als Verkörperung des ganz realen absurden Theaters in Gesellschaft und Politik entgegen. Aber was hat die Gruppe in umherirrende Witzfiguren verwandelt, die nicht zu wissen scheinen, wie ihnen geschieht? Sie finden weder Antwort noch Ausweg und bleiben, was sie sind: ängstlich, streitsüchtig und vulgär, patschert und grotesk sympathisch.
Mit Unterstützung des Institut français à Paris und des Institut français d’Autriche.
Choreografie: Maguy Marin
Performance: zehn Tänzer:innen
Lichtdesign: Alexandre Beneteaud und Albin Chavignon
Kostüme: Louise Marin
Originalmusik: Franz Schubert, Gilles de Binche und Gavin Bryars
Koproduktion: Compagnie Maguy Marin und Maison des Arts et de la Culture de Créteil (FR)
Die Compagnie Maguy Marin wird vom Ministère de la Culture – DRAC Auvergne-Rhône-Alpes (FR) und von der Ville de Lyon (FR) gefördert und erhält für Projekte im Ausland finanzielle Unterstützung vom Institut français (FR). Die Compagnie ist dauerhaft in RAMDAM, UN CENTRE D’ART (FR) ansässig.
Wie viele andere gemeinnützige Organisationen in der Region verlor die Compagnie Maguy Marin 2025 die Unterstützung des Auvergne–Rhône–Alpes Regional Council (FR).
Entwicklunsleitung: Dorothée Alemany
Produktion und Verwaltung: Julia Alquier
Produktion und Vermittlung: Léa Monchal
Lokale und internationale Distribution: A Propic – Line Rousseau und Marion Gauvent
Letzten Sommer hat Amala Dianor mit seiner Crew bei der Open-Air-Eröffnung von ImPulsTanz im MuseumsQuartier begeistert und danach mit DUB im Volkstheater noch einen draufgesetzt. Wir freuen uns, den französischen Choreografen schon dieses Jahr wieder begrüßen zu dürfen – sogar mit einer Uraufführung! In Underflow – seiner Weiterführung von DUB – lässt er tänzerisches Temperament auf packende Musik treffen und bringt den Underground aus Clubs und experimentellen Community-Räumen in den historischen Volkstheater-Saal. Stile wie HipHop, Waacking, Krump, Coupé-décalé oder Pantsula, die außerhalb institutioneller Kontexte gedeihen, werden kombiniert und weiterentwickelt: „nicht als vereinheitlichte Form, sondern als Raum der Koexistenz, des Zuhörens und der gemeinsamen Transformation“ (Dianor). Als DJ und Live-Musiker steht Dianor dabei wieder Awir Leon zur Seite, der heuer auch bei unseren «biggest expressions ever’26» im Arkadenhof des Rathauses für Stimmung sorgen wird.
Mit Unterstützung des Institut français à Paris und des Institut français d’Autriche.
Compagnie Non Nova – Phia Ménard (FR):
nocturne (Parade)
Österreichische Erstaufführung
„Du liebes Kind, komm, geh mit mir! / Gar schöne Spiele spiel’ ich mit dir“, verspricht Goethes Erlkönig, dessen jenseitige Kräfte nach dem Knaben in seines Vaters Armen greifen. Und schön sind die Spiele wirklich, die Phia Ménard mit uns spielt! In kindliches Erstaunen versetzt einen der wirbelnde Tanz, den ihre hauchdünnen Plastikgestalten im künstlichen Wind vollführen. Wie in der Ballade jedoch, die unter anderem in der Vertonung Schuberts ihren Weg ins Stück findet, ist der Tanz ein Totentanz – und das Spielen verleiht einem unfassbaren Schrecken Form. Hier ist das vor allem der Schrecken bereits tobender wie drohender Kriege. Dabei findet die französische Künstlerin, die schon bei der documenta vertreten war, sich nicht nur in der Rolle der väterlichen Geschichtenerzählerin wieder, sondern auch in der des Kindes: nocturne (Parade) gedenkt zugleich Ménards eigenem Vater, den sein Zwangsdienst im Algerienkrieg zum lebenslangen Pazifisten machte. Noch ein Hinweis: Auch Kinder lieben dieses Stück!
Mit Unterstützung des Institut français à Paris und des Institut français d’Autriche.
Konzept, Umsetzung und Bühnenbild: Phia Ménard
Künstlerische Mitarbeit: Cécile Briand
Performance: Phia Ménard in Abwechslung mit Cécile Briand und Fabrice Ilia Leroy
Entwurf und Herstellung der Puppen und Objekte: Phia Ménard, Fabrice Ilia Leroy, Cécile Briand und Clarisse Delile
Dramaturgie: Jonathan Drillet
Soundtrack: Ivan Roussel
Lichtdesign: Eric Soyer, assistiert von Gwendal Malard
Windmanagement: Clarisse Delile
Tontechnik: Ivan Roussel oder Manuel Menes
Lichttechnik: Aurore Baudouin oder Mickaël Cousin
Ko-Direktion, Administration und Booking: Claire Massonnet
Stage Management: Olivier Gicquiaud
Künstlerisches Praktikum: Amélia Dantony
Produktion: Compagnie Non Nova – Phia Ménard
Koproduktion: La Comédie de Clermont-Ferrand scène nationale / La Maison de la Danse, Lyon – Pôle Européen de Création / TnBA – Théâtre national de Bordeaux en Aquitaine / La Comédie, Centre Dramatique National de Saint-Étienne / Scène nationale de l’Essonne / Le Volcan, Scène Nationale du Havre / Théâtre National de Bretagne, Centre Dramatique National (Rennes) / Mixt, terrain d’arts en Loire-Atlantique / Le Théâtre, scène nationale de Saint-Nazaire / Les Quinconces & l’Espal und Scène Nationale du Mans / MC93 – Maison de la Culture de Seine-Saint-Denis à Bobigny (FR)
Die Compagnie Non Nova – Phia Ménard wird vom französischen Ministerium für Kultur und Kommunikation – DRAC des Pays de la Loire, von der Stadt Nantes, vom Conseil Départemental de Loire-Atlantique, vom Institut français sowie von der Fondation de France für 2025, 2026 und 2027 gefördert.
Die Compagnie Non Nova – Phia Ménard ist derzeit Associated Artist am Théâtre National de Bretagne, Centre Dramatique National (Rennes), an der La Maison de la Danse und der Biennale de la Danse de Lyon sowie an der scène nationale de l’Essonne (FR).
Die Compagnie hat ihren Sitz in Nantes (FR).
Dauer: 65 Min
Preise: 36 Euro
Ermäßigt: 30 Euro
Diese Performance enthält Theaternebel, Stroboskop-Effekte sowie laute Musik.
Termine
Sa 25.7.2026, 16:00 | Ticket
Sa 25.7.2026, 19:30 | Ticket
Mo 27.7.2026, 16:00 | Ticket
Diese Künstlerin verschwendet keine Zeit mit Gram und Bitternis. Seit 1948 ist Korea ein geteiltes Land, in dem sich völlig unterschiedliche Gesellschaften entwickelt haben. Als vor knapp einem Jahrzehnt ein Frühling der Annäherung möglich schien, widmete Eun-Me Ahn der ersehnten neuen Entwicklung dieses bezaubernde Stück. Eingeleitet wird es von den delikaten Klängen der koreanischen Zither Gayageum – mit Soon-A Park spielt eine Virtuosin dieses Instruments. Es folgen Szenen, die zeigen, wie feinfühlig und humorvoll Ahn dem nordkoreanischen Tanz, der ganz unter der Kontrolle einer Diktatur praktiziert wird, nachspürt und ihn auf ihre Art neu formuliert: Zuckersüße Fächertänze, die federnden Schritte bei Militärparaden, traditionelle Volkstänze, erstaunliche Akrobatik und Zurschaustellung von Maskulinität durchlaufen eine fröhliche Transformation geradewegs in den Pop. Damals ganz aktuell, zwischen Saitenspiel und Technosound, hoffte die Choreografin mit zehn Tänzer:innen auf eine Wiedervereinigung. Die Erfüllung dieses Traums allerdings steht noch aus.
„Die Zeit wandelt sich, trotzdem hat sich nicht viel verändert“, stellt Eun-Me Ahn, eine Protagonistin des zeitgenössischen koreanischen Tanzes, fest. Sobald sich simple Klischees über „exotische“ Kulturen in den Deutungskanon eingegraben haben, ist es schwer, diesen wieder davon zu befreien. Genau dieser Aufgabe aber stellt sich Ahn in diesem so stürmischen wie farbenfrohen Tanz. Orientalismus gibt es nicht nur im Westen, erläutert sie, sondern auch zwischen den unterschiedlichen Kulturen Asiens. Daher funktioniert der Post-Orientalist Express sowohl hier wie dort als Brücke zu besserem gegenseitigen Verständnis. „Dialog statt Einheitlichkeit“, lautet Ahns Motto. Die als „Asiens Pina Bausch“ gefeierte Künstlerin arbeitet mit Unterschieden und Spannungen: „Der Yin-Yang-Kreis kreuzt die gerade Linie des Noh, ein Kathakali-Mudra erstreckt sich zwischen beiden.“ Aus solchen Dissonanzen, einem unglaublichen Tempo und einer Feier der Popkultur entsteht als ganz neuer Rhythmus ein „interasiatischer Tanz“. Was dabei jetzt im Burgtheater herauskommt, ist ein glanzvoller Rausch für die Sinne und echter Fortschritt des kulturellen Austauschs.
Mit der Unterstützung von Dance Reflections von Van Cleef & Arpels.
Choreografie und künstlerische Leitung: Eun-Me Ahn
Musik: Young-Gyu Jang
Lichtdesign: Jinyoung Jang
Videoregie: Taeseok Lee
Bühnenbild und Kostüme: Eun-Me Ahn
Technische Leitung (Produktion): Jimyung Kim
Meta-Dramaturgie: Geun-Jun Changwoo-Michael Lim
Kostümherstellung: Yunkwan Design
Requisiten: Dongyoung Kim
Produktionsassistenz: Sungbin Kim
Performance: Eun-Me Ahn, Hyekyoung Kim, Yongsik Moon, Uiyoung Jung, Deokyeong Kim, Gaon Han, Jeonghwan Oh, Hyeonseo Lee und Seyeon Kim
Produktion: Eun-Me Ahn Company
Koproduktion: Sejong Center for the Performing Arts (KR), Berliner Festspiele (DE), Théâtre de la Ville – Paris (FR), Les Théâtres de la Ville de Luxembourg (LU), Théâtre d’Orléans / Scène Nationale (FR) und Sydney Festival (AU)
Grace Tjang / Needcompany (ID/BE & BE):
The Garden of Earthly Disquiet
Österreichische Erstaufführung
Wie umgehen mit unterdrückten Erinnerungen an traumatische Erfahrungen, die nach Generationen aus dem Vergessen drängen? Geboren im indonesischen Surabaya, entstammt Grace Tjang einer Familie, die schwer unter dem niederländischen Kolonialismus und der darauf folgenden japanischen Besatzung ihrer Heimat litt: Beide Elternteile wurden von ihren Müttern getrennt. Ihren sehr persönlichen Umgang damit übersetzt Tjang in eine Performance. Hierfür lädt die Needcompany-Mitbegründerin, die bei ImPulsTanz schon wiederholt mit visuell eindrucksvollen Arbeiten bestochen hat, dazu ein, ihren wundervoll gestalteten und zugleich düsteren Garden of Earthly Disquiet zu betreten. In Aya Suzukis Live-Musik, die aus der musikalischen Tradition Indonesiens schöpft, komponiert Tjang fabelhafte Schatten und mythische Motive.
Konzept, Choreografie, Text, Dekor und Video: Grace Tjang
Musik: Aya Suzuki
Performance: Grace Tjang, Sung Im Her, Aya Suzuki, Martha Gardner und Maarten Seghers
Dramaturgie: Elke Janssens
Ton: Bart Aga
Licht: Astrid Vansteenkiste
Künstlerische Assistenz Bild: Emma Van Der Put
Produktionsleitung: Rune Floryn
Kostüme: Sharlotta Seeligmüller und Simon Perotti
Praktikum Assistenz Regie: Liia Kosolovska
Dank an Oscar Van Der Put & Eka Santi Dewi.
Produktion: Needcompany
Mit Unterstützung des Tax Shelter der Belgischen Föderalregierung & der flämischen Regierung.
Needcompany Büro: Pieter D’Hooghe, Elke Janssens, Rune Floryn, Vibe Stalpaert, Joery Scheeper
Künstler:innen: Maarten Seghers, Grace Ellen Barkey, Jan Lauwers, Victor Lauwers
Künstlerische Leitung: Maarten Seghers
Geschäftsführung: Pieter D’Hooghe
Dramaturgie: Elke Janssens
Technische Produktion: Rune Floryn
Tourmanagement und Kommunikation: Vibe Stalpaert
Vertrieb und administrative Assistenz: Joery Scheepers
Dauer: 80 Min
Preise: 10 / 18 / 28 / 38 / 48 Euro
Ermäßigt: 8 / 15 / 23 / 32 / 40 Euro
Termine
Do 23.7.2026, 21:00 | Ticket
Sa 25.7.2026, 21:00 | Ticket
Kleider machen Leute, heißt es. Aber eigentlich sind es die Menschen, die den Kleidern Bedeutung verleihen. Das wird in diesem international umjubelten Stück deutlich, in dem nicht weniger als vierzig Kleider zum Einsatz kommen – und sie alle tragen Namen, verrät Leïla Ka, die unter anderem auch für Beyoncé choreografiert. Fünf Tänzerinnen legen sich die Kleider an und bringen sie in Schwung. Jedes der Second-Hand-Stücke hat einen Lebensabschnitt ihrer ehemaligen Trägerinnen begleitet und trägt ihre Geschichte in sich. Mit besonderer Intensität und Prägnanz tanzt bei Maldonne die Sehnsucht nach Freiheit „von allem, was uns eingrenzt“, wie die junge französische Choreografin sagt, und nach gleichen Chancen für alle: „Es geht um Solidarität und das Teilen derselben Erfahrung.“ Dieses erste Gruppenstück der gefeierten französischen Newcomerin wurde weltweit bereits über 100 Mal aufgeführt – was zeigt, wie übergreifend aktuell seine Fragestellung ist. Aber noch mehr, was für ein tänzerisches Feuerwerk hier auf uns wartet.
Choreografie: Leïla Ka
Performance: Océane Crouzier, Jade Logmo, Justine Agator, Adèle Bonduelle und Lise Messina oder Flore Ruiz-Moiret
Choreografische Assistenz: Jane Fournier Dumet
Kostümdesign: Leïla Ka
Lichtdesign: Laurent Fallot
Lichttechnik: Laurent Fallot, Clara Coll Bigot oder Zacharie Bouganim
Sound: Rodrig Desa oder Sacha Menez-Allanic
Produktion: CENTQUATRE-PARIS (FR) und Cie Leïla Ka
Partner:innen und Unterstützer:innen: La Garance – Scène nationale de Cavaillon, Théâtre Malakoff – Scène nationale, Théâtre d’Angoulême – Scène nationale, Théâtre de Suresnes Jean Vilar – Festival Suresnes Cités Danse 2024, Centre Chorégraphique National d’Orléans – Direction Maud Le Pladec, Centre Chorégraphique National – Ballet de Lorraine, unter der Leitung von Petter Jacobsson, im Rahmen des Accueil-studio, Les Quinconces et L’Espal – Scène nationale du Mans, Espaces Pluriels – Scène conventionnée d’intérêt national Art et création – Danse de Pau, La Manufacture – CDCN Nouvelle-Aquitaine Bordeaux/La Rochelle, La Passerelle – Scène nationale de Saint-Brieuc, Fondation Royaumont, Espace 1789 – Scène conventionnée d’intérêt national Art et création pour la danse de Saint-Ouen, Le Quatrain – équipement culturel de Clisson Sèvre et Maine Agglo und Ville de Gouesnou – Centre Henri Queffélec (FR)
Leïla Ka ist Associated Artist bei La Garance – Scène nationale de Cavaillon (FR), Associated Artist bei DSN, scène nationale de Dieppe (FR) sowie an der MC2, scène nationale de Grenoble (FR).
Die Compagnie wird seit 2024 von der BNP Paribas Foundation unterstützt.
Mit der Unterstützung von Dance Reflections von Van Cleef & Arpels.
Mit Unterstützung des Institut français à Paris und des Institut français d’Autriche.
Louise Lecavalier / Fou Glorieux (CA):
danses vagabondes
Österreichische Erstaufführung
Furcht ist für diese Ausnahmetänzerin ein Fremdwort. Vielleicht, weil sie die blinden Flecken um uns herum spürt und sich ihnen stellt, denn: „Tanzen ist ein Duett mit der Leere.“ Nach ihrer stilprägenden Traumkarriere in den 1980er und 1990er Jahren mit der Compagnie La La La Human Steps hat sie in die Finsternis einer existenziellen Krise geschaut und sich aus dem Tief wieder emporgearbeitet. Seit 2006 beeindruckt sie mit ihrer eigenen Compagnie Fou Glorieux und Werken wie So Blue, Battleground oder Stations. In diesem neuen Solo wird sie zur Vagabundin, die ihren unbändigen Freiheitsdrang zur Musik zwischen Dawn of Midi und Nick Cave auslebt. Temperamentvoll experimentiert Lecavalier mit Kostüm-Transformationen und Videoprojektionen und spielt ihren enormen Reichtum an Bewegungsmaterial aus.
Choreografie und Performance: Louise Lecavalier
Probenleitung und choreografische Assistenz: France Bruyère
Licht- und Videodesign: Jean-François Piché
Musik: Dawn of Midi, The Black Dog, Antoine Berthiaume, Kiasmos, Nils Frahm, Trentemoller und Nick Cave
Musikalische Beratung: Patrick Lamothe
Künstlerische Beratung: François Blouin
Kostüm: Yso und Elizabeth Duran
Video: Marlene Millar
Produktions- und technische Leitung: François Marceau
Produktion: Fou Glorieux
Koproduktion: tanzhaus nrw Düsseldorf (DE), Hellerau Dresden (DE), FTA Montréal (CA) und National Arts Center Ottawa (CA)
Die Compagnie Fou Glorieux wird unterstützt vom Conseil des arts et des lettres du Québec (CA), vom Canada Council for the Arts (CA) und vom Montreal Arts Council (CA).
Dauer: 65 Min
Preise: 10 / 18 / 26 / 34 / 42 Euro
Ermäßigt: 8 / 15 / 22 / 28 / 35 Euro
Termine
So 19.7.2026, 19:00 | Ticket
Di 21.7.2026, 19:00 | Ticket
„Er ist nicht nur der beste chinesische Choreograf, sondern auch einer der besten weltweit“, sagt der Gründer des berühmten taiwanesischen Cloud Gate Dance Theatre, Lin Hwai-Min, über Tao Ye. Wer dessen Arbeiten mit dem von ihm mitinitiierten TAO Dance Theater sieht, versteht warum: kompromisslose Hingabe, elaborierte Technik und eine konsequente künstlerische Haltung. „Tanz ist die größte Kunstform, denn die Materialien, die wir zum Tanzen verwenden, sind wir selbst“, meint Tao Ye. „Wir zeigen alles, was es bedeutet, Mensch zu sein.“ Denn: „Der Körper ist Tanz, und der Tanz ist Körper.“ Diese beiden Stücke aus Taos Numerical Series illustrieren, wie eindrucksvoll sich Formstrenge bei gleichzeitiger Offenheit für die individuelle Vielfalt der Tänzer:innen umsetzen lässt. Die Stoffe und Schnitte der Kostüme, designt von Co-Leiterin Duan Ni, die nicht umsonst mehrmals das Cover der Vogue zierte, sind dabei eine Klasse für sich. Die komplexen Beziehungsmuster von dreizehn in sandfarben bis graublau gekleideten Tänzer:innen bestimmen den Fluss von 13. Bei 14 gestalten bunte Kostüme das Bild: Im Rhythmus eines Metronoms wird ein weites Spektrum an Varianten zwischen Stillstand und Bewegung getanzt.
Mit der Unterstützung von Dance Reflections von Van Cleef & Arpels.
13
Choreografie: Tao Ye
Performance: Xu Fujin, Cheng Leting, Wu Zhenkai, Lu Wenchao, Wang Jingping, Jia Lixue, Zhang Xi, Lee Yuyun, Bian Yifei, Jiao Xuexu, Gao Yanrui, Xiong Shuai, Zhao Xueyi, Wu Yongle
Musik: Xiao He
Licht: Tao Ye
Kostümdesign: Duan Ni
Kostümherstellung: DNTY
14
Choreografie: Tao Ye
Performance: Xu Fujin, Cheng Leting, Wu Zhenkai, Lu Wenchao, Wang Jingping, Jia Lixue, Zhang Xi, Lee Yuyun, Bian Yifei, Jiao Xuexu, Gao Yanrui, Xiong Shuai, Zhao Xueyi, Tan Chengxin
Sound Konzept: Tao Ye
Licht: Tao Ye
Kostümdesign: Duan Ni
Kostümherstellung: DNTY
Künstlerische Leitung: Tao Ye und Duan Ni
Geschäftsführung: Wang Hao
Probenleitung: Duan Ni
Visuelle Leitung & Fotografie: Fan Xi
Technische Leitung: Dong Huoliang
Projektkoordination: Liu Yexuan
Performance Koordination: Tina Zhang
Touring-Assistenz: Huang Xiaolu
Dauer: 68 Min (mit 15 Min Pause)
13: 25 Min
14: 28 Min
Termine
Fr 24.7.2026, 21:00 | Ticket
So 26.7.2026, 21:00 | Ticket
Ort
Volkstheater
Arthur-Schnitzler-Platz 1
A-1070 Wien
Eine Feier des chinesischen Jahres des Drachen und eine Welturaufführung im Burgtheater prägen diesen Abend des TAO Dance Theater. Die von dem Choreografen Tao Ye und der Tänzerin Duan Ni in Beijing gegründete Gruppe wurde 2023 mit dem Silbernen Löwen der Biennale di Venezia ausgezeichnet. „Das Wesen der Kunst besteht darin, der Angst entgegenzuwirken, die durch das Vergehen des Lebens hervorgerufen wird“, schreibt Tao Ye und ergänzt: „In der Kunst geht es nicht darum, etwas Neues zu erfinden – da jeder flüchtige Moment vergeht, hört das ,Neue‘ nie auf, noch neuer zu werden, und das ,Alte‘ existiert nie wirklich.“ Seine Werke sind von einem speziellen, minimalistisch wirkenden, aber dynamischen und für die Tanzenden äußerst herausfordernden Stil getragen. In dem von dem Drachentanz Loong inspirierten Stück 16 wirbeln ebenso viele schwarz gekleidete Tänzer:innen durch farbiges Licht und formen das mythische Glücksmonster. Und in der Uraufführung von Nummer 18 wirkt feinste Mathematik für ein Experiment mit der Idee von unendlicher Bewegung und den Möglichkeiten eines grenzenlosen Raums.
Mit der Unterstützung von Dance Reflections von Van Cleef & Arpels.
16
Choreografie: Tao Ye
Performance: Xu Fujin, Cheng Leting, Wu Zhenkai, Lu Wenchao, Wang Jingping, Jia Lixue, Zhang Xi, Lee Yuyun, Bian Yifei, Jiao Xuexu, Gao Yanrui, Xiong Shuai, Zhao Xueyi, Huang Jiabin, Zhong Xiawei, Wu Yongle, Tan Chengxin
Musik: Xiao He
Licht: Tao Ye
Kostümdesign: Duan Ni
Kostümherstellung: DNTY
Ko-Produktion: La Biennale di Venezia
Mit der Unterstützung von Dance Reflections By Van Cleef & Arpels
18
Choreografie: Tao Ye
Performance: Huang Qiqi, Xu Fujin, Cheng Leting, Wu Zhenkai, Lu Wenchao, Wang Jingping, Jia Lixue, Zhang Xi, Lee Yuyun, Bian Yifei, Jiao Xuexu, Gao Yanrui, Xiong Shuai, Zhao Xueyi, Huang Jiabin, Zhong Xiawei, Wu Yongle, Tan Chengxin
Musik: Xiao He
Licht: Tao Ye
Kostümdesign: Duan Ni
Kostümherstellung: DNTY
Ko-Produktion: ImPulsTanz – Vienna International Dance Festival
Mit der Unterstützung von Dance Reflections By Van Cleef & Arpels
Künstlerische Leitung: Tao Ye und Duan Ni
Geschäftsführung: Wang Hao
Probenleitung: Duan Ni
Visuelle Leitung & Fotografie: Fan Xi
Technische Leitung: Dong Huoliang
Projektkoordination: Liu Yexuan
Performance Koordination: Tina Zhang
Touring-Assistenz: Huang Xiaolu
Dauer: 80 Min (mit 15 Min Pause)
Termine
Mo 20.7.2026, 19:00 | Ticket
Mi 22.7.2026, 21:00 | Ticket
Trisha Brown Dance Company with Merce Cunningham Trust (US):
Dancing with Bob: Rauschenberg, Brown & Cunningham Onstage
Österreichische Erstaufführung
Ganze vier Mal war er auf der Kasseler documenta vertreten, er deckte ein breites künstlerisches Spektrum ab und hatte eine besondere Beziehung zu Tanz und Happening: Vergangenen Oktober hätte Robert Rauschenberg seinen Hundertsten gefeiert. Anlass genug für die New Yorker Trisha Brown Dance Company und den Merce Cunningham Trust, ihn doppelt hochleben zu lassen. In Browns luftig und schwungvoll getanztem Stück Set and Reset (1983) ließ Rauschenberg Film-Footage inklusive Aufnahmen der NASA über eine Hintergrund-Installation flimmern und kleidete die Tänzer:innen in mit Fotomotiven bedruckte Kostüme. Für die Musik sorgte Laurie Anderson (Long Time No See), bei der Premiere tanzte Brown selbst mit. Und Cunningham? Viele hätten ihm die Komik, mit der er seine acht Figuren in Travelogue (1977) tanzen lässt, vielleicht gar nicht zugetraut. Den passenden Sound-Witz dazu liefert John Cages Komposition Telephones and Birds. Dazu entwarf Rauschenberg bunte Ganzkörpertrikots für die Tänzer:innen und stattete die Szene mit Stoffen, Dosen und einer Sessel-Räder-Reihe aus. Ein grandioser Abend, der alles feiert, was die (post)modernen Künste zu bieten haben!
Mit der Unterstützung von Dance Reflections von Van Cleef & Arpels.
Set and Reset
Choreografie: Trisha Brown
Musik: Laurie Anderson – Long Time No See
Originaldesign und Kostüme: Robert Rauschenberg
Lichtdesign: Beverly Emmons
Choreografische Umsetzung: Carolyn Lucas mit Cecily Campbell, Marc Crousillat und Jamie Scott
Beratung für Design- und Produktionsrekonstruktion: Jessie Ksanznak und Nick Kolin
Rekonstruktion Bühnenbild: Lawrence Voytek und ShowFab
Rekonstruktion Kostüme: Amanda Kmett’Pendry, Dyenamix Inc. und Zarah Green
Performance: Savannah Gaillard, Burr Johnson, Catherine Kirk, Ashley Merker, Patrick Needham, Jennifer Payán und Spencer Weidie
Set and Reset wurde erstmals am 20. Oktober 1983 von der Trisha Brown Dance Company im Rahmen des Next Wave Festival an der Brooklyn Academy of Music (US) aufgeführt.
Originalbesetzung: Trisha Brown, Iréne Hultman, Eva Karczag, Diane Madden, Stephen Petronio, Vicky Shick und Randy Warshaw
Travelogue
Choreografie: Merce Cunningham
Musik: John Cage – Telephones and Birds
Originaldesign und Kostüme: Robert Rauschenberg
Choreografische Umsetzung: Marcie Munnerlyn und Andrea Weber
Musikalische Leitung und Adaption von Telephones and Birds für mobile Geräte: Adam Tendler
Beratung für Design und Produktion: Davison Scandrett
Rekonstruktion Bühnenbild: Mrinali Thanwani, Bland Wade und Kris Julio von der UNCSA School of Design and Production (US); Rekonstruktion des Segels von Rose Brand
Rekonstruktion Kostüme: Earlene Munnerlyn und Marissa McCullough
Rekonstruktion Lichtdesign: Davison Scandrett und Joe Levasseur
Performance: Savannah Gaillard, Burr Johnson, Claude Johnson, Catherine Kirk, Ashley Merker, Patrick Needham, Jennifer Payán und Spencer Weidie
Travelogue wurde erstmals am 18. Januar 1977 von der Merce Cunningham Dance Company im Minskoff Theatre in New York City (US) aufgeführt.
Originalbesetzung: Karole Armitage, Ellen Cornfield, Merce Cunningham, Morgan Ensminger, Meg Harper, Chris Komar, Robert Kovich und Julie Roess-Smith
Travelogue (1977) von Merce Cunningham, Merce Cunningham Trust. Alle Rechte vorbehalten.
Dancing with Bob: Rauschenberg, Brown and Cunningham Onstage wird großzügig unterstützt von Dance Reflections by Van Cleef & Arpels, Robert Rauschenberg Foundation, The Imperfect Family Foundation, The Wattis Family, The Dedalus Foundation, Bloomberg Philanthropies, The Gladys Krieble Delmas Foundation, der James E. Robison Foundation, The Jerome Robbins Foundation und der Chicago Community Foundation (US). Mit zusätzlicher Unterstützung von Ken Tabachnick und Yael Mandelstam, Thomas und Lily Beischer, Bill Goldston und Riccarda De Eccher, Larry und Julia Antonatos sowie Molly und Michael Rowen von Michael’s Motor Cars, Lancaster, PA (US).
Besonderer Dank an Ken Tabachnick für die Entwicklung dieses Programms; Andrea Weber, Rashaun Mitchell und Patricia Lent vom Merce Cunningham Trust für ihre Partnerschaft; Courtney J. Martin, Francine Snyder, Kate Reibel, Miriam Master und Anne Boissonnault; sowie an das Team der Robert Rauschenberg Foundation für die Hilfe, diese Vision zum Leben erweckt zu haben.
Dauer: 75 Min (mit 15 Min Pause)
Termine
Di 14.7.2026, 21:00 | Ticket
Do 16.7.2026, 21:00 | Ticket
Ort
Volkstheater
Arthur-Schnitzler-Platz 1
A-1070 Wien
Voetvolk / Lisbeth Gruwez & Maarten Van Cauwenberghe (BE):
Tempest
Österreichische Erstaufführung
Lisbeth Gruwez, die erst an der Royal Ballet School Antwerpen und später bei P.A.R.T.S., der renommierten Schule Anne Teresa De Keersmaekers, studierte, hat mit allen Größen der belgischen Tanzszene gearbeitet. Inzwischen leitet sie gemeinsamen mit Maarten Van Cauwenberghe ihre eigene Compagnie Voetvolk, die u. a. schon mit dem Stück The Sea Within bei ImPulsTanz gefeiert wurde. In Tempest widmet Gruwez sich mit Martial Arts der Kanalisierung des Zorns, um dessen rohe Energie in fokussierte Stärke umzuwandeln. Schließlich sitzt in dieser Emotion laut Gruwez eine „duale Kraft“, die destruktiv, aber auch Katalysator für einen Wandel sein kann. Die Solistin wagt sich in ihrem Stück als durchlässiger Körper mitten in den Wirbelsturm der Wut, um dort einen Ort zu finden, an dem aufeinanderprallende Elemente zu neuen Formen verschmelzen.
Konzept: Voetvolk
Choreografie und Performance: Lisbeth Gruwez
Musik: Maarten Van Cauwenberghe
Lichtdesign: Jan Maertens
Bühnenbild: ruimtevaarders (Konzept) und Decoratelier KVS (Herstellung)
Kostümherstellung: Eli Verkeyn
Mentoring Martial Arts: Rob Gemmeke
Künstlerische Begleitung: Christine Herman
Mit Dank an Francesca Chiodi Latini und Koen Tachelet
Produktion: Voetvolk vzw (BE)
Koproduktion: December Dance (Concertgebouw Brugge & Cultuurcentrum Brugge) (BE), MA scène nationale – Pays de Montbéliard (FR), Perpodium (BE), POLE-SUD CDCN Strasbourg (FR) und Theater im Pumpenhaus Münster (DE)
Residencies: kunstencentrum BUDA (BE), CENTQUATRE-PARIS (FR), Chang Theatre Bangkok (TH), kunstencentrum nona (BE), POLE-SUD CDCN Strasbourg (FR), Theater im Pumpenhaus Münster (DE), Voetvolk Atelier Rubigny (FR) und WestK Performing Arts Hong Kong (HK)
Haben wir wirklich gelernt, Menschen wertzuschätzen, die außenseiterisch in ihren eigenen Welten leben und jede Wirklichkeit ganz anders wahrnehmen als die Mehrheit? In seinem aktuellen Stück untersucht der Belgier Wim Vandekeybus mit seiner Compagnie Ultima Vez die Zwischenräume und vermeintlichen Leerstellen, in denen sich ganz eigene Charaktere entwickeln können. Meist sind Konfrontationen mit auf „Normalität“ pochenden sozialen Umgebungen schmerzvoll für Outcasts, die sich nicht anpassen können und wollen. Der Choreograf lässt deren einzigartige Welten hell aufleuchten und lädt das Publikum ein, sich von ihren Sichtweisen überraschen zu lassen. Mit einfallsreicher Empathie, wildem Temperament und impulsivem Tanz bringt Void haarsträubende innere und äußere Zerreißproben zum Vorschein. Und nimmt durch die Objektive jener, die, wie Vandekeybus sagt, „nicht den erwarteten Weg gehen, sondern auf faszinierende Weise davon abweichen“, größere gesellschaftliche Themen ins Visier.
Regie und Choreografie: Wim Vandekeybus
Mitarbeit und Performance: Iona Kewney, Lotta Sandborgh, Cola Ho Lok Yee, Paola Taddeo, Adrian Thömmes, Hakim Abdou Mlanao und Babette Verbeek
Künstlerische Assistenz und Dramaturgie: Margherita Scalise
Choreografische Assistenz: Maria Kolegova
Originalmusik und Sounddesign: Arthur Brouns
Bühnenbild: Wim Vandekeybus (Konzept) und Pepijn Mesure (Umsetzung)
Lichtdesign: Wim Vandekeybus und Benjamin Verbrugge
Kostümdesign: Isabelle Lhoas
Assistenz Kostümdesign: Juliette Lejeune
Technik: Schröder, Pepijn Mesure und Benjamin Verbrugge
Musik
Violine: Kristofor Parvanov
Kontrabass: Fil Caporali
Percussion: Simon Leleux
Schlagzeug: Daniel Jonkers
Zusätzliche Musik: Lander Gyselinck – Hihats In Trees und Obsequies
Distribution: Julia Bouhjar
Produktion: Heleen Schepens und Kenneth Raemaekers
Koproduktion: KVS Brussels’ Flemish City Theatre (BE), Danseu Festival (ES), Theater im Pumpenhaus Münster (DE) und Emilia Romagna Teatro ERT / Teatro Nazionale (IT)
Mit Unterstützung des Tax Shelter der Belgischen Regierung (BE)
Besonderer Dank an Thi-Mai Nguyen, Jerry Killick und das European Theatre and Film Institute
Ultima Vez wird von der Flämischen Gemeinschaft und der Flämischen Gemeinschaftskommission (VGC) (BE) unterstützt
Wim Vandekeybus / Ultima Vez (BE):
What the Body Does Not Remember
Äußerste Präzision, extreme Schnelligkeit und atemberaubende Spannung dominieren Wim Vandekeybus’ Debüt-Werk, das den Belgier mit nur 24 Jahren zu einem der weltweit einflussreichsten Choreografen hochkatapultierte. Als es 1987 erstmals präsentiert wurde, löste dieses Stück eine wahre Schockwelle in der Tanzwelt aus. Verspielt und grandios führt Vandekeybus seine Tänzer:innen an die äußersten Grenzen des Möglichen – als ginge es um die alles entscheidende Wende im Leben, oder um den Punkt, bevor die Liebe über einen Menschen hereinbricht, oder um den Moment vor einem Unfall. Was folgt, ist Action pur, und die kommt jetzt zurück. Fast 40 Jahre nach seiner Uraufführung nimmt Vandekeybus seinen Thriller mit einer neuen Tanzszene wieder auf. Dieses Meisterwerk hat nichts von seiner Kraft verloren und belegt erneut, warum es mit seinem bis heute unübertroffenen Ausmaß an virtuosem Chaos, gespielter Angriffslust und akrobatischer Disziplin als ein Schlüsselwerk des zeitgenössischen europäischen Tanzes gilt.
Regie und Choreografie: Wim Vandekeybus
Performance: Cola Ho Lok Yee, Paola Taddeo, Adrian Thömmes, Hakim Abdou Mlanao, Lotta Sandborgh, Alessia Lanotte, Cory Hugo Milan, Faustino Blanchut, Koen Kaya Eye und Nikoletta Polyzoi
Originalmusik: Thierry De Mey und Peter Vermeersch
Konzept und Umsetzung Tablemusic (Bis): Thierry De Mey
Probenleitung: Eduardo Torroja
Kostümdesign: Isabelle Lhoas
Kostümassistenz: Simon Perotti
Technik: Schröder und Pepijn Mesure
Produktion: Heleen Schepens und Kenneth Raemaekers
Distribution: Julia Bouhjar
Toningenieure EIC: Clément Marie und Yann Bouloiseau
Koproduktion: Philharmonie de Paris (FR), Scène Nationale de Maubeuge (FR) und KVS Brussels’ Flemish City Theatre (BE)
Ko-Leitung: Ircam-Centre Pompidou und Philharmonie de Paris im Rahmen von ManiFeste-2026, Ircam Festival (FR)
Präsentationspartner:innen: Philharmonie de Paris (FR), Romaeuropa Festival (IT), L’Onde Théâtre Centre d’Art (FR), Théâtre des Salins – Scène nationale de Martigues (FR), Teatro della Tosse (IT), Grand Théâtre de la Ville de Luxembourg (LU), Le Manège Maubeuge – Scène nationale (FR), Concertgebouw Brugge (BE), CCHA – Cultuurcentrum Hasselt (BE), STUK – House for Dance, Image & Sound (BE) und La Monnaie / De Munt (BE)
Mit Unterstützung des Tax Shelter der Belgischen Regierung (BE)
Ultima Vez wird von der Flämischen Gemeinschaft und der Flämischen Gemeinschaftskommission (VGC) (BE) unterstützt.
Wim Vandekeybus / Ultima Vez (BE):
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Bewertungen & Berichte Wim Vandekeybus / Ultima Vez (BE):
What the Body Does Not Remember
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ImPulsTanz - Vienna International Dance Festival
9.7. bis 9.8.2026
Im Jahr 1984 gegründet, hat sich das ImPulsTanz – Vienna International Dance Festival zum größten Festival für zeitgenössischen Tanz und Performance entwickelt. Alljährlich präsentiert es im Sommer ein einzigartig vielfältiges Programm mit Performances, Workshops, Research Projects und musikalischen Acts.
Ausgewählte Produktionen gehen am 6. Mai 2026 in den Vorverkauf, Tickets für alle weiteren Performances sind ab 9. Juni 2026 erhältlich.
Kontakt
ImPulsTanz - Vienna International Dance Festival
Museumstraße 5/21
A-1070 Wien
